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我父亲不是艺术从业者，但是他一直很喜欢摄影和画画。小时候我常看到他拍摄的风景和人像，他会指导我试着拍点东西还有画画的技巧，那时候用的还是旁轴相机。正式接触摄影是在艺术学院本科学习的时候。记忆里比较深刻的是老师用幻灯机展示拍摄的负片作品，还有在暗房红灯下冲洗照片，在昏暗的光影下制作和欣赏摄影，有种梦幻又神秘的仪式感。

处在一个数字信息和图像无处不在的时代，我仍然感兴趣创造值得凝视和思索的画面，也乐于将手工痕迹保存在作品里。无论动与静“影像”都是可以纪录或创造具有令人“情动”（Affect） 的瞬间。当今获得图像的方式已经不再只是通过镜头成像和相片冲印，扫描、截屏、印刷和复制、计算机生成也都是方法。我认为“影像”是一个包容性和融合力极强的媒介。

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日常观察、感受生活和生命、读书、旅行，还有一些忘不掉的回忆和解答不了的问题都会启发我的创作。

《A的寓言》 系列的完成，与我小时候观看和布置橱窗的经验有关。这里说的橱窗并不是商场展示产品的橱窗。它们往往被醒目的安置在公共区域建筑物上，用来公示信息或展览作品的。我所在社区的橱窗里会张贴挑选和裁剪过的报纸、照片、书画、图书书页等，通常都会有人专门来编辑和设计，每过一段时间就更新一些内容。这样的橱窗通常会有边框和玻璃，用来保护里面的被展示的资料。

另外对这个作品有影响的就是德国的文化和艺术史学家阿比，瓦尔堡（Aby Warburg 1866-1929）所创造的《记忆女神图集》（Mnemosyne Atlas），瓦尔堡的工作源自他对于自身工作的“命名困难症”。对于动物和人的关系的探讨和研究我从2015年就开始了，我会去每一个我途径城市的动物园进行实地拍摄。在这个过程中，我也遇到了类似“困难症”的情况——关于人与动物关系的迷思，我有几个不同系列的作品是关于这个母题的。再者就是阅读不同版本的《伊索寓言》（Aesop’s Fables）以及它的衍生品的经验了。这些都与《A的寓言》这个系列作品的形成有关。如果抛开以上来说，我就是直觉性地想呈现一个由寓言编织的图像迷宫。

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我喜欢提问，喜欢关注那些被隐藏或没被注意到的细节，它们存在于日常生活和历史记录的细微之处。其间会存在诸多链接，我认为这正是我们理解事物真相，发现个体与群体困境的关键。看似微不足道的细节，往往蕴含着深刻的情感和认知。另外我认为新的认知产生于混沌和模糊，我会希望借由某种去除或模糊边界和概念的方式来进行工作，从而引发 观众的共鸣，让观众意识到在喧嚣的生活中，重要的究竟是什么。这种关注不仅可以促进个体的自我反思，也能鼓励社会对彼此的理解和包容，为缓解困境提供新的视角和启示。

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我尝试了当下能够想象到的图像获取方式：实地拍摄、室内摆拍、扫描、截屏、老照片的收集等等，但暂时没有把ai作为方法。似乎我觉得ai是不同于以上的那些方式的，但是是否真的不同，是我还在思考的问题。

在《A的寓言》第一章的这9幅图像中，每一幅都围绕着一则伊索寓言故事展开。图像之外我使用了大量的黑色，让黑色形成有未知感的区域，黑色也可以被看作是道路——它们链接着每一张图像。观众可以在不同媒介产生的图像之间自由地移动自己的目光和意识。我发现艺术微喷可以比较精准的还原不同方式创造出的图像的质感，这使得我可以在这个作品中呈现和接近一种“媒介考古”（Media archeology）式的观感。另外我有刻意的使用或者说保留“篡改”图像和文字的痕迹。这种留痕将这组作品指向人和动物关系以外的问题：档案的权威与真实性的存在与否？以及讲故事的权力属于谁？

这个作品记录了我在一段时光内的探索路径，以及令我着迷的细节和令我迷惑的问题。每一张图像我都用中英文进行了注释，告诉观众它大致的内容和来自那里。

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我总是会有很多想法，但是大部分都流产了。有一部分会汇合进一些正在工作的项目里，一般会有4、5个项目同时进行，也会在某个时间突然把全部精力放在一个项目上。就叫项目吧，暂时我也不知道如何称呼那些未完成的作品。《A的寓言》的第二章正在创作的过程中，另外也在考虑把这个项目做成书。